Kulturvolk-Bühnenkritik Nr. 573

Staatsoper - Wilder Ritt durchs barocke Universum

Die Welt brennt. Jupiter, oder Giove, wie er auf Italienisch heißt, steigt zur Erde hinab, als Feuerwehrmann. Seine Löschversuche kommen reichlich spät, fast alles liegt bereits in Schutt und Asche. Aber was wäre das für ein Gott, wenn er nicht neues Leben erschaffen könnte. In diesem Fall ganz modern, per App. Alles beginnt wieder zu sprießen, auch die Triebe bei Giove. Der verheiratete Gott verkuckt sich in eine eigentlich zur Keuschheit verpflichtete Nymphe aus dem Umfeld der Jagdgöttin Diana: „La Calisto“.

Gleichnamige Oper ist nun als sinnenfrohes Spektakel während der Barocktage in der Staatsoper zu erleben. Das „Dramma per musica“ von Francesco Cavalli ist heute das bekannteste Werk des venezianischen Komponisten – und war zu Lebzeiten sein größter Misserfolg. Kurz vor der Premiere 1651 erkrankten Hauptdarsteller und sein Librettist und Impresario Giovanni Faustini und starben wenig später. In den 1970er Jahren wurde „La Calisto“ wieder entdeckt und auch an der Staatsoper 1996 schon einmal präsentiert.

Die musikalische Leitung eines fragmentarischen Werkes erfordert auch wissenschaftliche und kompositorische Arbeit. Die Orchester bestanden zu Cavallis Zeiten aus wenigen Musikern, in Venedig musste sich die Oper aus dem Kartenverkauf finanzieren. Für ein heutiges großes Opernhaus ist es nötig, die Noten für einen größeren Klangkörper zu bearbeiten, sofern man über Notenmaterial verfügt. Bei Christina Pluhar, der Grand Dame der Alten Musik, ist das Arrangement in guten Händen. Was sie mit dem Ensemble L’Arpeggiata und der Akademie für Alte Musik Berlin vollführt, klingt alles andere als akademisch. Auch moderne Töne halten behutsam Einzug in das barocke Universum. Passend zum Bühnengeschehen.


Zwischen Mythos und Science Fiction


Selten findet alles so harmonisch zueinander wie in dieser Koproduktion mit dem MusikTheater an der Wien. Dessen Chef Stefan Herheim hat das Spiel der geilen Götter und eifersüchtigen Göttinnen, der Fabelwesen und normal Sterblichen mit Liebe und Witz inszeniert. Silke Bauers Bühne ist ein absoluter Hingucker. Man erinnert sich an den Zeitentunnel in Götz Friedrichs legendärer „Ring“-Inszenierung an der Deutschen Oper, zugleich an den Sternenhimmel in Schinkels historischem Entwurf für die „Zauberflöte“, wähnt sich manchmal in einer Star Wars-Episode. Und doch gehorcht alles den Prinzipien der barocken Perspektivbühne.

Hier verbinden sich auf mehreren Handlungsebenen zwei mythische Erzählungen. Einmal die Liaison von Giove mit Calisto, die von Gioves erzürnter Gattin in einen Bären verwandelt wird. Zum anderen erlebt man den Hirten Endimione, der sich in Liebe zur Mondgöttin Diana verzehrt. Ein personenreiches Verwirrspiel, bei dem man bisweilen den Überblick verliert, aber das macht nichts.

Vokalisten, die auch spielerisch und tänzerisch auftrumpfen, tragen ihren Teil zu diesem unwiderstehlichen Totaltheater bei. In der Titelpartie überzeugt Vera-Lotte Boecker, letztens am Haus im „Schlauen Füchslein“ zu erleben. Milan Siljanov muss sich als testosterongesteuerter Giove zwischendurch als Diana verkleiden, wobei der Bassbariton in Falsett umschlägt. Das wiederum ist das Fachgebiet des formidablen Schweizer Countertenors Arnaud Gluck. Man müsste eigentlich alle Beteiligten namentlich erwähnen. Seien sie hier mit einem Kalauer gewürdigt, der auf den gesamten mehr als dreistündigen Abend zutrifft: Barock rockt.

Staatsoper Unter den Linden; leider sind alle Vorstellungen fast ausverkauft. Ganz wenige Restkarten hier.


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2. Renaissance-Theater - Warten auf Fisch

Nebel wabert über der dunklen Bühne des Renaissance Theaters. Ein Mann mit einer Lampe leuchtet uns heim. Es ist Guntbert Warns, der Hausherr. Der Intendant ist diesmal Co-Regisseur. Und er verkörpert den Verleiher des Bootshauses, vor dem „Von Fischen und Frauen“ spielt. Schon Vater, Opa und Uropa seien Bootshaushausverleiher gewesen, sinniert er. Nur sein Ururgroßvater, der habe als Wirtschaftsprüfer gearbeitet, obwohl er dafür das Examen nicht bestanden hatte.

Warum erzählt er das alles? Nun, damit wir Zuschauer uns zunächst ob solcher Belanglosigkeiten in Sicherheit wiegen, dass Noëlle Haeseling tatsächlich wie angekündigt ein „kleines, extrem harmloses Drama übers Angeln“ geschrieben hat. Was natürlich nicht zutrifft. Das fällt uns wie Schuppen von den Augen, kaum haben Imogen Kogge und Valerie Neuenfels als Anglerinnen auf dem dank Bühnenbildner Ezio Toffulutti extrem wackligen Ponton Platz genommen und ihre Köder ausgeworfen. Die beiden lernten sich gerade erst hier am Bootshaus kennen, obwohl sie doch schon immer, wie bereits die Mütter und Großmütter, ihrer Leidenschaft nachgehen. Schnell entdecken die Petrijüngerinnen ein gemeinsames Lebensziel: einmal einen Urzeitfisch aus den Tiefen des Sees holen.

Na klar, hier geht es nicht nur ums Angeln. Sondern um das Leben an sich. Und nicht zufällig erinnern die beiden Frauen auf ihren Campingstühlen an Wladimir und Estragon, die beiden Landstreicher in „Warten auf Godot“. „Warten auf Fisch“ heißt es mehrfach, währenddessen nichts anbeißt.

Die Autorin, hauptberuflich Schauspielerin, will ihr Stück, das 2024 den Publikumspreis des Hans-Gratzer-Stipendiums in Wien erhielt, durchaus als feministische Replik auf Samuel Beckett verstanden wissen. Der hatte verfügt, dass in seinem absurden Klassiker nur Männer spielen dürfen. Darüber hat sich bereits Meo Wulf an der Volksbühne vor wenigen Monaten mit „Warten auf Bardot“ mokiert.


Turbulenzen nicht nur auf dem Wasser


Noëlle Haeseling hält sich weitaus enger an den irischen Schriftsteller. Mit dessen Tiefgang, den Anspielungen auf die tragischen Themen seiner Zeit, kann die 1996 geborene Autorin nicht wirklich mithalten: Der lakonische Text, noch so gekonnt vorgetragen, treibt mitunter an der Oberfläche wie der Angelschwimmer auf dem See. Als man sich langsam zu fragen beginnt, warum man dem Gespräch eigentlich im Theater beiwohnen muss, sorgen Stück und Inszenierung (Warns gemeinsam mit Karim Mezdour) für Turbulenzen nicht nur auf dem Wasser.

Der Bootshausverleiher fühlt sich zurückgesetzt, als Mann und Mensch. Schickt seinen beiden Kundinnen die Fischereiaufsicht auf den Hals: ein schräges Duo (Adrienne von Mangoldt, Inna Sulaver), das sich tauchend per Schnorchel anschleicht, nicht nur synchron schwimmend, sondern auch sprechend. Als sie im Verhör erfahren, dass eine der Anglerinnen seit einem Jahr nichts gefangen hat, droht, einem Todesurteil gleich, der Verlust der Lizenz, sollte sie heute keinen Fisch aus dem Wasser ziehen. Noch schlimmer, gleichsam als Strafe für sein Denunziantentum, erwischt es den Vermieter. Sein Bootshaus steht wenige Zentimeter zu nahe am Ufer, er muss es abreißen.

Ein Sturm zieht auf und wirbelt alles durcheinander. Am Ende zappelt doch noch der ersehnte Urzeitfisch am Haken. Doch wer hat das riesige Tier nun gefangen? Es kommt zum Kampf. Und längst hat dieses absurde Theater sein Publikum geködert.

Renaissance-Theater, diverse Termine bis zum 1. Dezember. Hier geht’s zu den Karten.


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3. Deutsche Oper - Zwischen Erlösung und Endlösung

Richard Wagner ist in Israel nicht erwünscht. Die wenigen Versuche, Musik von Hitlers Lieblingskomponisten im jüdischen Staat aufzuführen, wurden meist skandalreich unterbunden. Milo Rau, der aufsässige Schweizer Theatermacher, wollte gegen dieses Tabu vorgehen und fuhr hin. Mit einem in Berlin lebenden Israeli, Shlomi Moto Wagner, den nicht nur der Nachname, sondern auch die Liebe zur Musik mit dem Tonkünstler verbindet. Mit der Schauspielerin Sarah von Schwarze, die in Israel als Tochter von zum Judentum konvertierten deutschen Eltern lebte. Dort gibt es tatsächlich eine Wagner Society.

Rau und sein Team positionierten sich mit Klavier und Kamera an öffentlichen Plätzen und brachten mit einer lokalen Sängerin Wagner zu Gehör. Sie ernteten Gleichgültigkeit, die Israelis haben momentan andere Sorgen. So entstand zumindest ein nicht uninteressanter Film, mit vielen weiteren Begegnungen in Israel sowie der Westbank. Dabei hätte man es bewenden lassen können. Leider musste Milo Rau nebenbei auch den „Fliegenden Holländer“ an der Deutschen Oper zur Aufführung bringen. Mit seinem Film als Leitfaden auf der Bühne sowie Live-Moderation seiner beiden Reisebegleiter. Und eigentlich ist Wagner nur ein Vorwand. Rau geht es um das deutsch-israelische Verhältnis.

Oft wird die Titelfigur mit Ahasver verglichen, dem „Ewigen Juden“, der, nach Erlösung suchend, heimatlos um die Welt zieht. Im Bühnenbild von Anton Lukas, das Berlins Holocaust-Mahnmal zitiert, dreht Regisseur Rau den Spieß um. Der Holländer ist bei ihm ein vom Gewissen geplagter ehemaliger SS-Mann, der nach Israel reist, beim obersten Zionisten Daland um die Hand seiner Tochter Senta anhält, die Mitglied der israelischen Olympiamannschaft in München 1972 ist. Der Holländer erscheint nicht mit leeren Händen: In seinem Koffer lagern Gelder aus dem durch Völkermord erwirtschafteten Vermögen deutscher Konzerne. Daland, geldgierig, willigt ein, nur Erik, der edle Palästinenser hat was dagegen.


Richard Wagner dient nur als Vorwand


Das klingt platt? Das ist es auch! Und wird quasi überbildert mit dem Film aus Israel. Die Musik somit fast zum Soundtrack degradiert. Bei genauerem Hinhören ist das gar nicht bedauerlich, denn der Abend unter dem Dirigat der Wagner-Debütantin Giedrė Šlekytė ist auch klanglich ein Debakel, bei dem sich ihre litauische Landsfrau Aušrinė Stundytė mit ihrem Rollen-Debüt als Senta ebenfalls verhebt. Bei der Premiere ging zudem noch dem holländischen Holländer, Tomasz Konieczmy, krankheitsbedingt die Puste aus: Hat man kein Glück, kommt oft noch Pech dazu!

Das wirklich Fatale ist jedoch die Botschaft: Den deutschen Schuldkomplex wie einen Staffelstab weiterzutragen. Israel wird quasi für alles haftbar gemacht, selbst für die missglückte Geiselbefreiung bei der Olympiade 1972, wegen Verweigerung des „Gefangenenaustauschs“.

Nicht zufällig taucht auf der Szene ein Demonstrant auf mit dem Schild „Free Gaza from German Guilt“. Rau inszeniert letztlich diese Parole. Die Palästinenser als späte Opfer von Wagners Antisemitismus und der nationalsozialistischen „Endlösung“: Unfassbar grob und teilweise verfälschend wird hier Geschichte erzählt.

Deutsche Oper, 15. November, 13. und 20. Februar. Hier geht’s zu den Karten.